Tan sólo tres semanas desde que termina el Festival de Cine Internacional San Juan, y a una semana de la muestra del Festival Ícaro en la Sala Beckett, me toca cubrir el Puerto Rico Queer Film Fest. Es una experiencia diferente, no tanto por el contenido de las películas (aunque eso sigue siendo un elemento esencial) sino por la manera en que los espectadores se relacionan entre si. Sobre todo, el hecho de que todas las proyecciones ocurren en la misma sala, el otro festival tenía tres, promueve un ambiente de comunión. Se formaron muchas conversaciones interesantes sobre la realidad identitaria de las películas, sobre sus capacidades artísticas versus sus posibilidades como entretenimiento y sobre el efecto político que cada una pudiera tener o no tener.
Este año tuve la oportunidad de ver 12 largometrajes más la proyección de los 9 cortos BoriQueer. Esto es casi la totalidad de la selección, pues las únicas que me perdí fueron: Ang huling cha-cha ni Anita (2013) de Filipinas, Appropriate Behavior (2014) de Estados Unidos y Cuatro Lunas (2014) de México. En definitiva me fui en el viaje, aprovechando al máximo el tiempo y el acceso que tuve durante la semana.
Algunas me gustaron, otras me decepcionaron. Puedo decir que en ocasiones se logró una consideración intelectual, que brevemente hubo embates de mediocridad llevadera y que de pronto me sorprendía con el estremecimiento genuino. Fue variado de la mejor manera.
Hay mucho que decir al respecto y, para no dejar fuera ninguna, se me ocurre que lo apropiado sería hacerlo a modo de lista. Sé que esto es una herramienta convencional, que se puede perder parte del sentido de inclusión (uno de los baluartes de este festival) con el acto de catalogar. Igual me funciona, pues esto no es una valorización de lo «mejor» o lo «peor». Exclusivamente me rijo por el placer estético que me provocaron.
Mi opinión ante las películas no se concierne tanto con los mensajes sociales que éstas puedan tener. Si bien es cierto que puedo estar de acuerdo a nivel político, el hecho de que sean lésbicas, gay, trans, bisexuales y/o heterosexuales no es algo que considero sobre sus posibilidades puramente cinemáticas. Yo no vengo a este festival para simplemente para ver cosas con las que ya concuerdo, sino para explorar su arte; como lo haría con cualquier otro.
También estoy consciente de que, debido a mi propia sexualidad y experiencia de vida, no voy a identificarme con las películas de la misma manera que much@s de los otr@s asistentes. Reconozco que el valor inherente de verse en la pantalla, y esa es tal vez la labor a nivel social que más promueve el Puerto Rico Queer Film Fest, es uno muy poderoso. Pero yo no vengo con esa intención.
Entonces, lo seguimos con mi jerarquía al revés de lo visto, que va desde lo menos sustancioso hasta lo verdaderamente innegable.
Todo esto es muy arbitrario de mi parte, particularmente las primeras cinco que varias veces cambié de orden. Así es mejor recordar, adelante con la numeración impropia.
*Si presionan sobre el póster de cada película podrán ver sus tráilers*
13. L’armée du salut (2013)
Director: Abdellah Taïa / País: Marruecos
En términos técnicos no hay mucho que objetar. Está relativamente bien montada, filmada, actuada, etc. Lo que la coloca en el último escalafón es el guion. Su nimia trama nos presenta a un joven homosexual en Marruecos que pasa de tener encuentros anónimos con hombres mayores, a ser un trabajador sexual y, eventualmente, a ser un estudiante expatriado en Suecia. Tiene el potencial de ser interesante, pero realmente no se explora ninguno de los temas que la vida del personaje sugiere. De hecho, el protagonista se mantiene indescifrable, siempre cargado con la cara de estoicismo-neutral que tanto se explota en el cine independiente contemporáneo; no hay nada de particular en su caracterización.
Aunque cubre un periodo largo de tiempo, desde su adolescencia hasta su temprana adultez, nunca se coagula en un todo. Es una de esas películas donde las escenas se siguen acumulando hasta que se acaba, como si no hubiera razón real para verla o para hacerla.
Lo único que posee es su duración, el hecho de que ocupa 81 minutos. Sin ton ni son, no hay mucho que decir ante la indiferencia sometida.
12. Azul y no tan rosa (2012)
Director: Miguel Ferrari / País: Venezuela
Un plagio tan increíble de Almodóvar que se podría usar como hoja de evaluación de sus tropos; el cheat sheet de lo kitsch-españolito se adapta a Venezuela. No es la última porque por lo menos es entretenida como cine malo, incluso se podría hacer un juego de tomarse un trago cada vez que la narrativa se mueve gracias a alguna coincidencia inverosímil. Pero esto sería un juego sólo para los brav@s porque el insumo de alcohol será tan constante y cuantioso que la borrachera no tardará en convertirse una mortal intoxicación.
Este mismo año ganó el Premio Goya de Mejor Película Iberoamericana. A veces no entiendo estas cosas.
11. Más que el agua (2014)
Director: Benjamín I. Cardona / País: Puerto Rico
El primer largometraje de ficción puertorriqueño que se presenta en la historia de este festival, lo que no es algo que se debe tomar a ligera.
Lamentablemente, más allá de su valor histórico, tiene demasiadas fallas para considerarla exitosa. El problema principal es que se torna incoherente en ocasiones, dejándonos inciertos sobre la relación entre los personajes y, principalmente, sobre el transcurso del tiempo. Por ejemplo, de repente una línea del diálogo menciona que ha pasado un año desde un evento que vimos tan sólo 3 o 4 escenas atrás. Esto hace que, aun cuando ocurren sucesos no hay un sentido de progresión narrativa.
Igual nunca me aburrió, incluso cuando no la comprendía del todo, y sí le veo valor en su osadía por explorar temas necesarios para el cine puertorriqueño. Hay algunas secuencias que funcionan, como el breve encuentro entre el protagonista con un muchacho que conoce en un barra y sus inmediatas consecuencias. Además está la manera en que se representa la relación entre sexualidad y amistad, visto en el arco de un joven homosexual y su mejor amiga que es heterosexual, la cual se siente muy genuina.
Pero no puedo negar que no funciona como un todo y probablemente le faltaba unas cuantas sesiones adicionales de edición.
10. Mala Mala (2014)
Directores: Antonio Santini & Dan Sickles / País: Puerto Rico
La película con mayor expectativa del festival, debido a los artículos en 80grados, Indiewire y Variety, lo que sin duda influyó en las opiniones positivas y/o negativas que surgieron; incluyendo la mía por supuesto. Tal vez es porque esperaba otra cosa, pero esta fue la que más me decepcionó. No quiero decir que es inmeritoria, incluso me atrevería a decir que es «mejor» que algunas de las que he puesto por encima en la lista, pero sin duda se queda corta de sus ambiciones.
Lo mejor que tiene son sus personajes, muy bien escogid@s porque se logra representar una variedad de experiencias sobre una comunidad que el mainstream suele homogeneizar. Los breves momentos donde conversan entre sí son muy potentes, presentándonos ideas sobre la diferencia entre vivir como mujer y querer ser «reina de belleza», la relación entre personalidad doble y alter ego y las dificultades de convertir a una mujer biológica en hombre; como dicen en una de las entrevistas, operar a un hombre para hacerlo mujer es más común que lo contrario.
El problema que le veo es que estos son momentos breves, los cuales la película repetidamente interrumpe con viñetas audiovisuales más afín a la estética de la publicidad que a la del cine. Carece de exploración documental y se va por un preciosismo innecesario, en cierta manera fetichizando la superficie de las personajes. Los cineastas caen en la trampa de lo que supuestamente se critica, dándolo mayor importancia a como se ven sus personajes que a lo que son. Con esto no quiero sugerir que Mala Mala incurre en la explotación, pero al final no le encontré subtexto. Siento que se conformaron con meramente presentar sin hacer un cuestionamiento sobre lo capturado. Una cosa es concordar con lo que diga un sujeto documental y otra es trabajarlo hacia una representación cinemática.
9. Hoje Eu Quero Voltar Sozinho (2014)
Director: Daniel Ribeiro / País: Brasil
Es medio cute, pero siento que nunca superó su mediocridad afable. No es particularmente mala, o tan siquiera ineficiente, pero tampoco diría que es buena. Realmente no es más que un teen movie súper convencional, ya que no hay nada interesante en la historia o en la manera que se cuenta más allá de que el protagonista es ciego y homosexual. Me atrevería a decir que si fuera sobre un heterosexual, contada exactamente de la misma manera, sería algo que se proyectaría en Disney Channel, ABC Family o cualquier otro canal de consumo adolescente.
Igual está bien hecha y creo que logra todo lo se propuso. Eso es un mérito que muchas veces damos por sentado.
8. Kumu Hina (2014)
Directores: Dean Hamer & Joe Wilson / País: Hawaii
Es un documental sumamente básico en su construcción, no estoy seguro sí vería otra cosa de estos cineastas, pero tiene un personaje central tan interesante y elocuente en si misma que la simpleza de su estética termina siendo apropiada; funciona porque no se antepone sobre la protagonista.
Conocemos a Hina, una mujer transgénero que trabaja de maestra (o kumu en su lengua natal) en una escuela especializada en promover las tradiciones hawaianas. Su historia me recordó al documental panameño Liza. Como ella (2004), porque también trata sobre una trans que usa el subterfugio de su cultura indígena para explorar su sexualidad en plena comodidad. En el caso de Hina es explícito y hasta se podría argumentar que el documental tiene que ver más con los procesos de preservación de un pueblo colonizado que con consideraciones generales sobre lo LGBTT.
El sentido nacional-hawaiano es una parte intrínseca de su concepto del yo, más allá de ser mujer u hombre. Ahí es que encuentra la definición de su persona que mejor le corresponde, viéndose como māhū, como un ser humano del ‘tercer sexo’. Por tanto, Hina le da muchísima importancia a enseñarle los baluartes de su cultura a los jóvenes de la comunidad, lo que no considera como un mero trabajo sino como un deber irrenunciable.
Me sentí identificado en la manera que Hina explora el tema de la asimilación estadounidense y como esto ha afectado su cultura; es imposible verla y no pensar en Puerto Rico. La película es política sin dejarse llevar por un discurso no-práctico, todos los cuestionamientos coloniales o de género surgen de la cotidianidad del personaje.
Me gustó, aunque admito que no está particularmente bien hecha.
7. 52 Tuesdays (2013)
Directora: Sophie Hyde / País: Australia
Similar al esquema de producción que Richard Linklater hiciera en Boyhood (2014), esta ficción australiana nos presenta 52 días durante la transición de una madre que quiere vivir como un hombre y como esto afecta la relación que tiene con su hija de 16 años. Su narrativa de fragmentación coordinada nos permite observar el desarrollo sexual de amb@s. Vemos como la madre, se nos hace hincapié que sigue siendo madre aunque su cuerpo sea convierta en hombre, va de cambiar su género con la apariencia (recorte, ropa, postura, etc.) y eventualmente a tomar medidas más permanentes como la mastectomía y la toma de hormonas. Al mismo tiempo su hija está teniendo la típica exploración sexual adolescente.
La verdad que fácilmente pudo convertirse en una explotación de ambos personajes pero mayormente se mantiene muy natural. La narrativa avanza con seguridad, siempre pendiente a desarrollar tanto las ideas como los personajes.
Probablemente no la hubiese visto si no fuera por el contexto del festival, la verdad que al leer la sinopsis pensé que sería medio gimmicky, pero fue la mejor sorpresa.
6. Cortos BoriQueer (2010-14)
Directores: Varios / Países: Puerto Rico, Cuba, Alemania, Estados Unidos
La sección de cortometrajes es, para mi al menos, lo que más distingue al Puerto Rico Queer Film Fest. El hecho de que incluyan ficciones, documentales, video-performances, video arte y videos musicales bajo una misma sombrilla, sin darle mayor importancia a una forma sobre las otras, es muy refrescante. Sin embargo, esto no significa que todos los trabajos funcionan. De todas formas el sentido de variedad hace que la experiencia total de la proyección sea extremadamente memorable.
Me gustaría resaltar los tres que más me gustaron. Para ver los títulos y sinopsis del resto de la programación, presionen sobre la imagen del póster.
- El recipiente/Tsunami (2014), dirigido por William Rosario – Creo que fue mi favorito, de aquí es que saqué la imagen que acompaña el ensayo. Este video-musical, de una canción de Alegría Rampante, dramatiza la (d)evolución de un extraño sujeto. Desde la playa, hasta la ciudad, recorremos la travesía del espacio/corporeidad interpretado por un único sujeto en Ángel Flores. Me recordó al genial vídeo Rabbit in your Headlights de UNKLE. El recipiente/Tsunami es como la versión opuesta, mostrando un planeta construido pero vacío (lo único que más o menos funciona es el cuerpo), mientras que en el otro los carros imperan en movimiento indiferente. Tengo entendido que esta es la quinta o sexta colaboración entre el 9A5 Cine Crew y Alegría Rampante. En definitiva deben mantener esa relación.
- El hijo de Ruby (2014), dirigido por Gisela Rosario Ramos – Había tenido la oportunidad verlo unas cuantas veces antes del festival (este año se ha presentado en el Festival de Cine Hecho en Europa, la 3ra muestra de AdocPR Latinoamérica en Nosotros, las Fiestas de la Calle Loíza y otras proyecciones sueltas), por lo que no tuvo el mismo impacto que los otros cortos; todos nuevos para mi. De todas formas se sostiene, presentando una estética documental poco explorada en el contexto puertorriqueño. Lo más particular en ese sentido es la manera que entreteje al sujeto como personaje y co-autor; el artista y bailador de bomba Lío Villahermosa. A diferencia de algunos documentales locales, el representado nunca se siente como un Otro ante la cámara. Sobre la relación entre familia y performance. Para bailar y recordar.
- Visiones, espejos (2010), dirigido por Eyerí Cruz Otero – Escrito, dirigido y editado por quien fuera uno de los primeros entrevistados en la Revista docuCaribe (la pueden leer aquí), este corto es otra prueba de que Eyerí Cruz Otero es uno de los cineastas más radicales de Puerto Rico. Su rompimiento del cuadro, en este caso mezclando animaciones conscientemente rudimentarias con actores de carne y hueso, prueba ser muy efectivo como metacine. Es como una versión lo-fi del efecto de distanciamiento que Peter Greenaway emplea en A Life in Suitcases (2005). Todavía sigo pensando que su mejor trabajo se encuentra en los documentales, en mi estimación El viento que rompe los muros (2011) es una de las grandes películas puertorriqueñas, pero Visiones, espejos sugiere gran potencial en la ficción auto-reflexiva.
5. Pelo malo (2013)
Directora: Mariana Rondón / País: Venezuela
Una madre soltera cría a dos hijos. Uno es un bebé todavía y el otro, que es el niño del póster, anda en una extraña etapa. Junior aún es muy joven para comprender su sexualidad, aunque sí parece percibir cierta diferencia entre sus intereses y las ideas que su madre tiene sobre lo masculino. Sin embargo, el dilema más grande de su vida no es otra cosa que verse bien en lo que sería su foto de identificación escolar. Junior quisiera aparecer como un ‘cantante’, lo que según su apreciación sólo se lograría si se alisa el pelo.
Cabe recalcar que desde la primera escena notamos a una madre sumamente incómoda con su hijo. Ella no quiera criar a un homosexual y siempre está tratando de «enderezarlo», incluso de maneras que podrían considerarse abusivas (o a lo menos insensibles) sin nunca ser directamente violenta. La manera en que la película maneja a este personaje es tal vez su mayor acierto. Me parece que pudieron convertirla en una caricatura pero nunca se siente que actúa con malicia real, simplemente tiene una visión de mundo poco tolerante. A mi entender, todas sus acciones surgen de un intento por «arreglar» lo que ve como incorrecto y no meramente atormentar, lo que a veces termina siendo más peligroso que el odio puro.
Lo más efectivo es que se explora un dilema muy complejo a través de un sencillísimo arco. Las narrativas son complementarias: ella tratando de regresar a su empleo (fue suspendida por razones que nunca conocemos) y él preparándose para la foto. Se toca el tema de la maternidad/responsabilidad social (desde una perspectiva poco sentimental sin así limitar su capacidad afectiva en el espectador), junto al de la sexualidad en desarrollo de Junior.
Debo resaltar la puesta en escena, que siempre mantiene la cámara (y por ende nuestra perspectiva como espectadores) al nivel de la estatura de Junior. Todo es más alto que nuestra mirada, metafóricamente resaltando el sentido de opresión de la estructura social que la madre tanto teme.
Vista como un todo, pienso en la refrescante ambigüedad de la última toma. Sin entrar en lo específico, se podría tomar tanto como una señal de resignación (de aceptar que el mundo es incambiable) que como una demostración de protesta. Esa posibilidad de lecturas contradictorias denota gran manejo del lenguaje audiovisual.
4. Tatuagem (2013)
Director: Hilton Lacerda / País: Brasil
La ganadora del premio del jurado en el festival. No es difícil entender porqué, pues fue una de las más completas y entretenidas películas de todo la semana. Además fue la más erótica de todas, la que presentaba un contagioso sentido de liberación sexual; sin pedir perdón, sin considerar la vergüenza.
La trama sigue las incidencias de un grupo de teatro anarquista que celebra performances/happenings en el Brasil de los tardíos 1970s. Es un show de las estrellas que mezcla la música, el teatro y el cine, proponiendo que la revolución no impide la diversión. Como película su mayor logro es que el espectador se siente transportado hacia el espacio. Podemos ver secuencias completas del show, las cuales son muy seductoras en si mismas.
La complicación narrativa surge cuando un joven soldado se enamora del líder del grupo y termina uniéndose a la comuna. Es un desenlace que parece clichoso, sobre las dificultades de ser homosexual en esa época, pero la película nunca lo vuelve en algo trágico. Todo se sostiene con un sentido de espontaneidad. En el mundo de Tatuagem la sexualidad no es algo para sufrir (o esconder) sino la mecha para continuar viviendo. No hay porque pelear. Nadie es diferente a nadie. Como dice el performance central de la película, todos tenemos el mismo culo.
3. Tom à la ferme (2013)
Director: Xavier Dolan / País: Canadá
Sólo había visto una película de Xavier Dolan, J’ai tué ma mère (2009), la cual no me gustó para nada. Pensé que los elogios se basaban en la juventud de Dolan, para ese entonces tenía 20 años, y no tanto en el trabajo en si. Aquella experiencia me mantuvo al margen de su creciente filmografía, injustamente lo descarté a base de un primer trabajo, pero ahora que vi Tom à la ferme (2013) tengo que dársela. La película sigue siendo inconsistente, pero cuando está ejercitando su máximo alcanza niveles que no vi en ninguna otra del festival. De hecho, si la totalidad fuera tan buena como las mejores secuencias probablemente sería de lo mejor que he visto en todo en el año; más allá del contexto de la pasada semana. Principalmente, su dominio del ritmo y de la atmósfera es impresionante.
El hecho de que en realidad no tenga pretensiones sociales la distancia del resto de la programación del festival. Si bien es cierto que el punto de partida es la relación entre un joven homosexual y la familia de su fallecido amante, esto no es más que un MacGuffin. Es una excusa para provocar tensión ya que cuando el titular Tom arriba en la granja descubre que la madre de su novio no tiene ni idea de la sexualidad de su hijo. El único que sabe es el hermano, quien crea juegos de intimidación (de manera violenta y psicológica) con el protagonista. El secreto sexual de Tom no es más que la vía para explorar las convenciones del thriller vieja escuela. Las ambiciones de Dolan, con esta película al menos, parece ser la elástica del cine sans contenido; aquí la superficie es todo, tanto por su efecto como por su propósito.
Me gusta que no pretende nada más que ser un ejercicio a lo Brian de Palma. A veces el cine es para mirarse a si mismo como forma.
2. Gerontophilia (2013)
Director: Bruce LaBruce / País: Canadá
Hace un tiempo que lo tenía pendiente pero Gerontophilia es la primera película que veo de Bruce LaBruce. Por ende, esta es la que más probablemente hubiera encontrado fuera del contexto del festival. Es muy probable que esto haya influido en mi disfrute, ya tenía un interés y lo fortuito de la proyección ya la encaminaba para «cumplir un destino» en mi travesía del espectador; el Puerto Rico Queer Film Fest me salvó de piratearla.
Lake es un joven que, al darse cuenta de que siente una atracción por el cuerpo de los ancianos, trabaja de enfermero en un asilo. Pronto conoce al señor Peabody, comenzando así un amorío salpicado de tabús. Las prohibiciones del trabajo y la sociedad los obligan a irse de fuga, viaje que los lleva a desarrollar su relación en maneras relativamente cotidianas para cualquier nueva pareja. Sin embargo, se intuye un aire subversivo que mantiene el fetiche sexual sobre el amor abstracto. O, tal vez esto es más apropiado, que define el romance como un necesario desbalance entre el impulso puramente corpóreo y la emoción.
He leído comparaciones con Harold and Maude (1971), aunque yo no estoy tan seguro. A pesar de que ambas tratan de relaciones entre ancianos y jóvenes, entiendo que presentan perspectivas opuestas. El filme de Hal Ashby buscaba promover el amor por el amor en sí, el punto es que la edad de Maude no es importante para Harold. Labruce propone exactamente lo contrario, Gerontophilia (como sugiere el propio título) le da un valor protagónico al fetiche. Y no es sólo por Lake, sino que Peabody también se seduce principalmente por el cuerpo del joven. Es cierto que eventualmente sí surge un romance, pero siempre se le da mayor importancia al cuerpo. De hecho, al final-final (literalmente en la última secuencia) se sugiere que esa valorización del impulso sobre el conocimiento (de seducirse antes de comprender) se ha posicionado como la tesis central. Lake ha encontrado su felicidad, y el hecho de que le quedan más años para vivir que a cualquiera de sus potenciales amantes no es un impedimento para seguir explorando.
La película tiene algunas fallas, principalmente en la actuación de Lake que sin duda fui escogido más por su físico que por sus talentos histriónicos. Pero hasta esa incompetencia me agradó, pues de alguna manera representa esa sobrevalorización del cuerpo que LaBruce nos impone.
1. Feriado (2014)
Director: Diego Araujo / País: Ecuador
Mientras trabajaba en la programación de la 3ra muestra de cine documental de AdocPR, la cual titulamos Latinoamérica en Nosotros, este año tuve la oportunidad de ver tres documentales ecuatorianos: Más Allá del Mall (2010), La bisabuela tiene Alzheimer (2012) y La muerte de Jaime Roldós (2014). Todos me gustaron mucho (la única razón por la que no escogimos el último fue su duración) y ahora que veo mi primera película de ficción de Ecuador siento que acabo de descubrir un secreto espectacular. ¿Donde se estaba escondiendo este cine? ¿Cómo es que Puerto Rico se mantiene tan desconectado de lo que se está haciendo en el resto de Latinoamérica? ¿Por qué el único espacio al respecto es el breve periodo de muestras y/o festivales especializados? Por lo menos yo y los presentes en sala tuvimos la oportunidad, pero creo que esto es tan universal como cualquier película actualmente en las salas comerciales de nuestro país.
A la vez política y entretenida, Feriado trata de las peripecias de un adolescente durante el feriado bancario de Ecuador. Juan Pablo, le dicen Juanpi, está de visita en la hacienda de su tío, que es uno de los causantes de la crisis, mientras se celebra una ostentosa fiesta. Es todo muy sutil, pero su sentido de distanciamiento hacia los valores de su clase social privilegiada lo lleva a explorar el pueblo aledaño; donde vive alguna de la gente afectada por las maniobras económicas del tío. Ahí conoce a otro muchacho también nombrado Juan Pablo, pero con el apodo de Juano, y tentativamente comienzan una relación de amistad con toques románticos. Todo ocurre durante el fin de semana y al final no hay mayor revelación que las posibilidades. Se evita forzar una conclusión determinante, encontrándose con el encantamiento de lo sugerido; dejando mucho espacio para el desenvolvimiento del espectador.
No quisiera entrar en la trama de forma más detallada. Aunque no tiene elementos de misterio, pienso que se mantiene impredecible; precisamente ahí recae el goce de la experiencia como película. Particularmente durante el primer acto, me sentí transportado con la incertidumbre del personaje y las espontáneas bifurcaciones de su travesía. También, y esto sin duda debe ser una de las razones por las que la disfruté tanto, esta fue de las pocas que no busqué antes de sentarme. No vi el tráiler, ni leí la sinopsis, ni tampoco nadie me había comentado nada. Lo único que sabía era su título y su duración. Tal vez debo mantenerlo similar para el que me lea.
Ya he dicho demasiado y aun no alcanzo expresar la variedad de sensaciones/pensamientos que me develo la semana. El Puerto Rico Queer Film Fest del 2014, ese tranvía que me facilitó tantas proyecciones satisfactoriamente dispares, me dejó encaminado hacia su próxima edición. La programación demuestra que esto mucho más que cine queer. El buen cine, el cine que provoca tanta multiplicidad de interpretaciones y/o discusiones, es para tod@s.
Revista docuCaribe 
Me pareció injusta la apreciación que hace sobre «The Way He Looks». Ya quisieran los productores de los programas de «Disney Channel» y «ABC Family» contar con propuestas que estén al mismo nivel de sofisticación del filme en cuestión.
La mención de esos canales es para resaltar la cualidad comercial de la película. Aunque en momentos es placentera, la veo como un producto y nada más. «Disney Channel» y «ABC Family» sirven una función metonímica. A lo que se refiere el escrito es al hecho de que «The Way He Looks» utiliza un lenguaje audiovisual sumamente convencional. Esto no es un juicio moral, o de sofisticación técnica, sino una interpretación de la manera en que se cuenta la historia; dejando a un lado su contendido. Simplemente, no le encontré una perspectiva interesante sobre si misma. Pero esto es sólo una opinión. Lo sofisticado o evocador para uno puede provocar hastío en otros. El cine, como cualquier otro medio de consumo colectivo, depende de la multiplicidad de interpretaciones. Cada espectador es un mundo y sus respectivas interacciones con la pantalla nunca serán idénticas. Ninguno de los dos está mal.